ACTUALITÉS
21 mars - 30 décembre 2025
« LE GENRE IDÉAL » EN PRINCIPE, UNE TENTATIVE D’ÉPUISEMENT
FR/
Pour célébrer ses 20 ans, le MAC VAL propose un nouvel accrochage exceptionnel, fruit d’un commissariat collectif mené avec l’ensemble des équipes du musée. Ce parcours inédit puise dans une collection construite depuis plus de 40 ans, emblématique de l’art contemporain en France depuis les années 1950. Intitulée Le genre idéal. En principe, une tentative d’épuisement, l’exposition revisite avec malice la hiérarchie des genres établie au XVIIe siècle par André Félibien – peinture d’histoire, portrait, scène de genre, paysage et nature morte – à travers les œuvres de la collection du MAC VAL. Pensée comme une chronique vivante de l’institution, cette proposition est à la fois un hommage aux artistes, une relecture joyeuse des canons de l’histoire de l’art, et une invitation à redécouvrir les richesses d’un musée en constante évolution.
Pour célébrer ses 20 ans, le MAC VAL propose un nouvel accrochage exceptionnel, fruit d’un commissariat collectif mené avec l’ensemble des équipes du musée. Ce parcours inédit puise dans une collection construite depuis plus de 40 ans, emblématique de l’art contemporain en France depuis les années 1950. Intitulée Le genre idéal. En principe, une tentative d’épuisement, l’exposition revisite avec malice la hiérarchie des genres établie au XVIIe siècle par André Félibien – peinture d’histoire, portrait, scène de genre, paysage et nature morte – à travers les œuvres de la collection du MAC VAL. Pensée comme une chronique vivante de l’institution, cette proposition est à la fois un hommage aux artistes, une relecture joyeuse des canons de l’histoire de l’art, et une invitation à redécouvrir les richesses d’un musée en constante évolution.
EN/
To celebrate its 20th anniversary, MAC VAL presents a remarkable new exhibition shaped by a collective curatorial process involving the entire museum team. This unique presentation draws from a collection built over more than 40 years, dedicated to contemporary art in France since the 1950s. Titled The Ideal Genre. In Principle, an Attempt at Exhaustion, the exhibition playfully revisits the classical hierarchy of genres as defined in the 17th century by André Félibien — history painting, portraiture, genre scenes, landscape, and still life — through works from the museum’s collection. Conceived as a living chronicle of the institution, this exhibition is both a tribute to the artists and a joyful reimagining of art history’s traditional categories, inviting visitors to rediscover the richness of a museum in constant evolution.
Commissariat : Nicolas Surlapierre
Co-commissariat : Yuan-Chih Cheng, Anaïs Linares, Margaut Segui et toutes les équipes du MAC VAL
22 juin - 28 septembre 2025
EXPOSITION - POP MODEL'S - MUSÉE MORE, PAYS-BAS
FR/
Le Museum MORE présente l’exposition POP MODELS. Woman in European Pop Art, consacrée à la représentation de la femme dans le Pop Art européen.
Antony Donaldson y est représenté avec Soft Orange (1967), un film co-réalisé avec Robert Graham, d’une durée de 4 minutes 48, présenté avec l’aimable autorisation de NOWNESS, Londres. Le catalogue de l’exposition reproduit également une image du film ainsi qu’une œuvre picturale de l’artiste, Tryout for Blue Films, prêtée par une collection privée en Belgique.
Exposition organisée par Feico Hoekstra, commissaire invité.
EN/
Museum MORE presents the exhibition POP MODELS. Woman in European Pop Art, dedicated to the representation of women in European Pop Art.
Antony Donaldson is featured with Soft Orange (1967), a film co-directed with Robert Graham, running 4 minutes and 48 seconds, shown courtesy of NOWNESS, London. The exhibition catalogue also includes a still from the film and a painting by the artist, Tryout for Blue Films, on loan from a private collection in Belgium.
Curated by guest curator Feico Hoekstra.
08 février - 10 août 2025
SURREALISM – A COLLECTIVE DREAM
FR/
Surrealism – A Collective Dream célèbre cent ans d’histoire de l’art surréaliste à l’échelle internationale. Cette exposition d’envergure explore la vision du réel propre à l’art surréaliste, en mettant en lumière les rencontres entre les pionniers du mouvement et des artistes contemporains majeurs. Immersive et saisissante, l’exposition Surréalisme – Un rêve collectif propose une exploration plurielle de ce courant artistique. Elle plonge dans l’inconscient et l’instabilité du réel, à travers les œuvres d’artistes d’avant-garde tels que Max Ernst, René Magritte, Yves Tanguy, Joan Miró, Salvador Dalí, Man Ray, Penny Slinger, Herbert Bayer, Meret Oppenheim et Claude Cahun, ainsi que de figures contemporaines comme Cindy Sherman, Tony Oursler, Erwin Wurm, Yayoi Kusama, Erró et Sarah Lucas.
Surrealism – A Collective Dream célèbre cent ans d’histoire de l’art surréaliste à l’échelle internationale. Cette exposition d’envergure explore la vision du réel propre à l’art surréaliste, en mettant en lumière les rencontres entre les pionniers du mouvement et des artistes contemporains majeurs. Immersive et saisissante, l’exposition Surréalisme – Un rêve collectif propose une exploration plurielle de ce courant artistique. Elle plonge dans l’inconscient et l’instabilité du réel, à travers les œuvres d’artistes d’avant-garde tels que Max Ernst, René Magritte, Yves Tanguy, Joan Miró, Salvador Dalí, Man Ray, Penny Slinger, Herbert Bayer, Meret Oppenheim et Claude Cahun, ainsi que de figures contemporaines comme Cindy Sherman, Tony Oursler, Erwin Wurm, Yayoi Kusama, Erró et Sarah Lucas.
Des extraits de films et de séries surréalistes – notamment des œuvres de Luis Buñuel, Salvador Dalí, David Lynch et Alfred Hitchcock – complètent le parcours. Les grands thèmes abordés incluent l’identité, le genre, la technologie et la santé mentale, chacun exploré selon une diversité de points de vue. L’exposition réunit peintures, photographies, sculptures, estampes et films, soit environ 140 œuvres réalisées par près de soixante-dix artistes.
EN/
Surrealism – A Collective Dream celebrates the one-hundred-year history of international surrealist art. This full-house exhibition explores surrealist art’s vision of reality, highlighting encounters between the movement’s pioneers and notable contemporary artists. The immersive and striking exhibition Surrealism – A Collective Dream offers a multifaceted exploration of the art movement. The exhibition delves into the subconscious and the instability of reality, showcasing works by avant-garde artists like Max Ernst, René Magritte, Yves Tanguy, Joan Miró, Salvador Dalí, Man Ray, Penny Slinger, Herbert Bayer, Meret Oppenheim, and Claude Cahun, as well as contemporary artists such as Cindy Sherman, Tony Oursler, Erwin Wurm, Yayoi Kusama, Erró, and Sarah Lucas. Additionally, segments from surrealist films and series, including works by Luis Buñuel, Salvador Dalí, David Lynch, and Alfred Hitchcock, will be featured. Central themes include identity, gender, technology, and mental health, each viewed from diverse perspectives. The exhibition comprises paintings, photographs, sculptures, prints, and films, covering approximately 140 works by nearly seventy artists.
28 mars - 11 juillet 2025
LABORATORIO
FR/
La Fondazione Marconi et Gió Marconi présentent l’exposition Valerio Adami. Laboratorio, en hommage à l’artiste, à l’occasion des 60 ans de sa première exposition chez Studio Marconi et de ses 90 ans. Cette rétrospective explore une décennie décisive de son œuvre (1962-1972) en lien avec les voyages et lieux qui ont nourri sa création : Londres, Arona, Paris, New York et Milan. Le parcours revient sur ses rencontres influentes (Jim Dine, Richard Hamilton, Jacques Derrida…), son intérêt pour le langage visuel, les sons, les voitures, et ses expérimentations filmiques. Le film Vacanze nel deserto (1971) sera projeté. L’exposition présente également des œuvres issues de ses photographies new-yorkaises, avec dessins, archives, toiles et installations. Elle se conclut à Milan, avec ses collaborations fondatrices avec Giorgio Marconi et des projets mêlant performance, photographie et peinture, dont l’installation mémorable Boxing Ring (1969). L’exposition rend hommage à l’audace narrative et plastique d’Adami.
EN/
Fondazione Marconi and Gió Marconi present Valerio Adami. Laboratorio, a major tribute to the artist marking 60 years since his first Studio Marconi show and his 90th birthday. The exhibition focuses on a key period in Adami’s work (1962–1972), exploring how his travels to cities like London, Arona, Paris, New York, and Milan shaped his art. It highlights his influential encounters (Jim Dine, Richard Hamilton, Jacques Derrida…), his interest in visual language and sound, his passion for cars, and his film Vacanze nel deserto (1971), which will be screened. The show includes artworks inspired by his photography in New York, alongside drawings, archives, canvases, and installations. It ends in Milan, where his long-standing collaboration with Giorgio Marconi took form through bold exhibitions blending painting, performance, and photography—most notably the Boxing Ring installation in 1969. The show celebrates Adami’s narrative strength and continual experimentation.
La Fondazione Marconi et Gió Marconi présentent l’exposition Valerio Adami. Laboratorio, en hommage à l’artiste, à l’occasion des 60 ans de sa première exposition chez Studio Marconi et de ses 90 ans. Cette rétrospective explore une décennie décisive de son œuvre (1962-1972) en lien avec les voyages et lieux qui ont nourri sa création : Londres, Arona, Paris, New York et Milan. Le parcours revient sur ses rencontres influentes (Jim Dine, Richard Hamilton, Jacques Derrida…), son intérêt pour le langage visuel, les sons, les voitures, et ses expérimentations filmiques. Le film Vacanze nel deserto (1971) sera projeté. L’exposition présente également des œuvres issues de ses photographies new-yorkaises, avec dessins, archives, toiles et installations. Elle se conclut à Milan, avec ses collaborations fondatrices avec Giorgio Marconi et des projets mêlant performance, photographie et peinture, dont l’installation mémorable Boxing Ring (1969). L’exposition rend hommage à l’audace narrative et plastique d’Adami.
EN/
Fondazione Marconi and Gió Marconi present Valerio Adami. Laboratorio, a major tribute to the artist marking 60 years since his first Studio Marconi show and his 90th birthday. The exhibition focuses on a key period in Adami’s work (1962–1972), exploring how his travels to cities like London, Arona, Paris, New York, and Milan shaped his art. It highlights his influential encounters (Jim Dine, Richard Hamilton, Jacques Derrida…), his interest in visual language and sound, his passion for cars, and his film Vacanze nel deserto (1971), which will be screened. The show includes artworks inspired by his photography in New York, alongside drawings, archives, canvases, and installations. It ends in Milan, where his long-standing collaboration with Giorgio Marconi took form through bold exhibitions blending painting, performance, and photography—most notably the Boxing Ring installation in 1969. The show celebrates Adami’s narrative strength and continual experimentation.
13 septembre - 15 décembre 2024
EXPOSITION FIGURATION NARRATIVE - MUSÉE D'ART DE PULLY
FR/
Dans le cadre de son 75e anniversaire, le Musée d’art de Pully présente une exposition consacrée à la figuration narrative. À travers une sélection de plus de 80 œuvres de la Fondation Gandur pour l’Art, l’exposition propose de redécouvrir un mouvement méconnu de la scène artistique des années 1960-1970.
Allen JONES - Alain JACQUET - Antonio SEGUÍ - Antonio RECALCATI - Aurelio CAMINATI - BALDER - CASTRO Lourdès - Christa DICHGANS - Christian BABOU - Chryssa ROMANOS - Cybèle VARELA - Don EDDY - Eduardo PAOLOZZI - Émilienne FARNY - Émilienne FARNY - Émilienne FARNY - EQUIPO REALIDAD - ERRÓ - Evelyne AXELL - Eulàlia GRAU - Fernand TEYSSIER - Gérard FROMANGER - Gérard SCHLOSSER - Hervé TÉLÉMAQUE - Ivan MESSAC - Jacques MONORY - Joan RABASCALL - Kiki KOGELNIK - Maurice HENRY - Paolo BARATELLA - Peter KLASEN - Peter SAUL - Peter STÄMPFLI - Philippe CARRÉ - Valerio ADAMI - Walter STRACK
EN/
To mark its 75th anniversary, the Musée d'art de Pully presents an exhibition devoted to narrative figuration. Through a selection of over 80 works from the Fondation Gandur pour l'Art, the exhibition invites visitors to rediscover a little-known movement on the art scene of the 1960s-1970s.
Dans le cadre de son 75e anniversaire, le Musée d’art de Pully présente une exposition consacrée à la figuration narrative. À travers une sélection de plus de 80 œuvres de la Fondation Gandur pour l’Art, l’exposition propose de redécouvrir un mouvement méconnu de la scène artistique des années 1960-1970.
Allen JONES - Alain JACQUET - Antonio SEGUÍ - Antonio RECALCATI - Aurelio CAMINATI - BALDER - CASTRO Lourdès - Christa DICHGANS - Christian BABOU - Chryssa ROMANOS - Cybèle VARELA - Don EDDY - Eduardo PAOLOZZI - Émilienne FARNY - Émilienne FARNY - Émilienne FARNY - EQUIPO REALIDAD - ERRÓ - Evelyne AXELL - Eulàlia GRAU - Fernand TEYSSIER - Gérard FROMANGER - Gérard SCHLOSSER - Hervé TÉLÉMAQUE - Ivan MESSAC - Jacques MONORY - Joan RABASCALL - Kiki KOGELNIK - Maurice HENRY - Paolo BARATELLA - Peter KLASEN - Peter SAUL - Peter STÄMPFLI - Philippe CARRÉ - Valerio ADAMI - Walter STRACK
EN/
To mark its 75th anniversary, the Musée d'art de Pully presents an exhibition devoted to narrative figuration. Through a selection of over 80 works from the Fondation Gandur pour l'Art, the exhibition invites visitors to rediscover a little-known movement on the art scene of the 1960s-1970s.
03 octobre - 06 octobre 2024
ART ON PAPER 2024
FR/
À l'occasion de notre première participation à Art on Paper, la Galerie Strouk mettra à l'honneur le travail de l'artiste français Valentin van der Meulen (né en 1979) à travers une exposition solo. Les œuvres exposées sur le stand offrent une synthèse des recherches plastiques qui jalonnent le parcours de l'artiste depuis ses débuts.
À l'occasion de notre première participation à Art on Paper, la Galerie Strouk mettra à l'honneur le travail de l'artiste français Valentin van der Meulen (né en 1979) à travers une exposition solo. Les œuvres exposées sur le stand offrent une synthèse des recherches plastiques qui jalonnent le parcours de l'artiste depuis ses débuts.
Dans la continuité de ses deux expositions personnelles à la galerie, en 2021 (espace Matignon) et 2023 (espace Mail), les pièces présentées lors de Art on Paper explorent des thèmes essentiels tels que la mémoire, le message et la place de l'image dans notre société contemporaine. En intervenant directement sur le support par des gestes tels que la découpe, l’effacement, le recouvrement ou la répétition, l'artiste remet en question la narration et s’interroge sur les limites de l’image et du dessin à travers les concepts d'altération, d'espace et de temporalité.
"Valentin van der Meulen réexamine le rôle de l'image photographique dans le flux médiatique de la culture contemporaine, remettant en question son ambivalence en tant que document d'histoire. Car si l'image couvre le réel - au sens journalistique du terme - elle le recouvre aussi (par le regard de celui qui l'a captée, par le sous-texte qui l'accompagne parfois, par son support de diffusion qui l'oriente...)".
Extrait d'Isabelle Bernini, commissaire d'exposition, dans Catalogue "Saint-Ange", édité lors de la résidence de Valentin van der Meulen à la résidence Sainte-Ange et de l'exposition qui s'en est suivi à La Plateforme, ancien Musée de Peinture de Grenoble, en 2023.
EN/
On the occasion of our first participation in Art on Paper, Galerie Strouk will showcase the work of French artist Valentin van der Meulen (born in 1979) through a solo exhibition. The artworks on display offer a synthesis of the artistic explorations that have shaped his career since its beginnings.
Following his two solo exhibitions at the gallery, in 2021 (Matignon space) and 2023 (Mail space), the works presented at Art on Paper delve into key themes such as memory, message, and the role of the image in contemporary society. By directly engaging with the medium through actions like cutting, erasing, covering, and repetition, the artist challenges narrative structures and questions the boundaries of image and drawing, exploring concepts of alteration, space, and time.
“Valentin van der Meulen reexamines the role of photographic imagery within the media flow of contemporary culture, questioning its ambivalence as a historical document. For while the image covers reality—in the journalistic sense—it also obscures it (through the gaze of the one who captured it, the subtext that sometimes accompanies it, or its medium of dissemination that shapes its interpretation...).”
Excerpt from Isabelle Bernini, curator, in the catalog "Saint-Ange," published during Valentin van der Meulen's residency at Sainte-Ange and the subsequent exhibition at La Plateforme, former Museum of Painting in Grenoble, 2023.
05 mai - 06 mai 2024
ON EST TOUS FOUS: BEN EXPOSE PLUS DE 500 PIÈCES AU MUSÉE INTERNATIONAL D’ART NAÏF ANATOLE JAKOVSKY DE NICE
FR/
Ben fait découvrir de nombreuses œuvres issues de sa collection personnelle, signées Combas, ou par de parfaits inconnus. “Si l’on prend la politique internationale, j’ai l’impression que l’on est tous fous. Si on prend l’art, on est aussi tous fous, parce que les artistes, qu’est-ce qu’ils font ? Ils cherchent du nouveau, ils cherchent la vérité”
Ben fait découvrir de nombreuses œuvres issues de sa collection personnelle, signées Combas, ou par de parfaits inconnus. “Si l’on prend la politique internationale, j’ai l’impression que l’on est tous fous. Si on prend l’art, on est aussi tous fous, parce que les artistes, qu’est-ce qu’ils font ? Ils cherchent du nouveau, ils cherchent la vérité”
EN/
Ben showcases works from his personal collection, by Combas and by complete unknowns. "If you look at international politics, I think we're all crazy. If we take art, we're all crazy too, because what are artists doing? They're looking for something new, they're looking for the truth".
News
01 décembre - 01 décembre 2023
FONDATION VASARELY - ACQUISITION
FR/
La galerie a le plaisir de vous annoncer que deux œuvres de Valentin van der Meulen « Victor » et « abstract Victor » font maintenant partie de la collection de la Fondation Vasarely.
Elles seront accessibles au public à la fondation à la fin de cette année 2023.
ENG/
The gallery is pleased to announce that two works of Valentin van der Meulen « Victor » and « abstract Victor » joint the collection of the Fondation Vasarely.
They will be accessible to the public in the fondation at the end of 2023.
La galerie a le plaisir de vous annoncer que deux œuvres de Valentin van der Meulen « Victor » et « abstract Victor » font maintenant partie de la collection de la Fondation Vasarely.
Elles seront accessibles au public à la fondation à la fin de cette année 2023.
ENG/
The gallery is pleased to announce that two works of Valentin van der Meulen « Victor » and « abstract Victor » joint the collection of the Fondation Vasarely.
They will be accessible to the public in the fondation at the end of 2023.
Évènements
23 septembre - 13 octobre 2023
LA FIGURATION NARRATIVE
FR/
Ces Artistes, présageant d’un monde se transformant, dont la justesse de leurs propos résonne certainement aujourd’hui, ont dynamité la conventionnelle scène artistique française et ont légué, en particulier aux artistes « street art » le sens de la révolte. Peter Klasen, Eduardo Arroyo, Erró, Antonio Ségui, Valério Adami poursuivront cette « mise en image » d’une société, qui, aux sons des « je ne veux pas perdre ma vie à la gagner », vit naitre l’industrie de l’image, de la communication et de la consommation.
Ces Artistes, présageant d’un monde se transformant, dont la justesse de leurs propos résonne certainement aujourd’hui, ont dynamité la conventionnelle scène artistique française et ont légué, en particulier aux artistes « street art » le sens de la révolte. Peter Klasen, Eduardo Arroyo, Erró, Antonio Ségui, Valério Adami poursuivront cette « mise en image » d’une société, qui, aux sons des « je ne veux pas perdre ma vie à la gagner », vit naitre l’industrie de l’image, de la communication et de la consommation.
EN/
These artists, who foresaw a transforming world and whose words certainly resonate today, energized the conventional French art scene and bequeathed a sense of revolt to street artists in particular. Peter Klasen, Eduardo Arroyo, Erró, Antonio Ségui, Valério Adami will continue this "mise en image" of a society which, to the sounds of "I don't want to waste my life earning it", saw the birth of the image, communication and consumer industry.
05 avril - 28 août 2023
BASQUIAT X WARHOL, À QUATRE MAINS
Andy Warhol, Portrait of Jean-Michel Basquiat as David, 1984
© The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / ADAGP, Paris 2022
Après l'exposition "Jean-Michel Basquiat" en 2018, la Fondation poursuit son exploration de l'oeuvre de l'artiste, révélant sa collaboration avec Andy Warhol.
Après l'exposition "Jean-Michel Basquiat" en 2018, la Fondation poursuit son exploration de l'oeuvre de l'artiste, révélant sa collaboration avec Andy Warhol.
De 1984 à 1985, Jean-Michel Basquiat (1960-1988) et Andy Warhol (1928-1987) réalisent environ 160 toiles ensemble, « à quatre mains », dont certaines parmi les plus grandes de leurs carrières respectives. Témoin de leur amitié et de cette production commune, Keith Haring (1958-1990) parlera d'une « conversation advenant par la peinture, à la place des mots », et de deux esprits fusionnant pour en créer un « troisième, séparé et unique ».
« Basquiat x Warhol, à quatre mains », l’exposition la plus importante jamais consacrée à cette œuvre singulière, regroupera plus de cent toiles signées conjointement ; seront aussi présentées des œuvres individuelles de chaque artiste, ainsi qu’un ensemble de travaux de Keith Haring, Jenny Holzer, Kenny Scharf... afin de restituer la scène artistique du downtown new-yorkais des années 1980.
02 mars - 10 mars 2023
LES IMAGINAIRES DU GRIS GALERIE COMMUNE COLLECTIVE SHOW - TOURCOING (FRANCE)
Les imaginaires du gris
Mais même en dehors des rares minutes comme celles-là, où brusquement nous sentons l'entité originale tressaillir et reprendre sa forme et sa ciselure au sein des syllabes mortes aujourd'hui, si dans le tourbillon vertigineux de la vie courante, où ils n'ont plus qu'un usage entièrement pratique, les noms ont perdu toute couleur comme une toupie prismatique qui tourne trop vite et qui semble grise, en revanche quand, dans la rêverie, nous réfléchissons, nous cherchons, pour revenir sur le passé, à ralentir, à suspendre le mouvement perpétuel où nous sommes entraînés, peu à peu nous revoyons apparaître, juxtaposées, mais entièrement distinctes les unes des autres, les teintes qu'au cours de notre existence nous présenta successivement un même nom. Marcel PROUST, Le côté de Guermantes, Gallimard, coll. La Pléiade, 1973, p.12 Les imaginaires font partie de chacun de nous et des créations artistiques. Le titre de l'exposition Les imaginaires du gris donne une place au spectateur en établissant un rapport fécond entre l'œuvre, son imaginaire et celui que le spectateur projette. Mais comment définir le gris ? En termes de gamme de gris ? De valeurs de gris ? De niveaux de gris ? Cette « demi-teinte » a été longtemps considérée comme une couleur intermédiaire, « une couleur mélange », une couleur mouvante. L'exposition s'ouvre sur une sélection d'œuvres contemporaines en majorité photographiques mettant en avant les différentes manifestions du gris comme le trouble, l'incertitude, le voile, la distance, l'aquosité. Quel(s) usage(s) donner à ces manifestations du gris en photographie ? Existe-t-il au-delà de la photographie noir et blanc, une « esthétique du gris » ? L'exposition a été conçue par Jeanne Ricœur, en lien avec sa thèse et réalisée avec les étudiant.e.s du Master Arts, parcours Exposition - production des œuvres d'art contemporain de l'Université de Lille accompagnés d'Amanda Crabtree, à partir d'une sélection d'œuvres de la collection du Frac — Grand Large Hauts-de-France et avec des œuvres d'Ilanit Illouz et de Valentin van der Meulen.
12 octobre - 23 janvier 2023
"LES CHOSES" AU MUSÉE DU LOUVRE
ERRO, Foodscape, 1500 x 1009 - Stockholm Moderna Museet
© Moderna Museet 1500x1009
La nature morte retrouve enfin les honneurs d’une grande exposition parisienne, 70 ans après la dernière rétrospective à l’Orangerie en 1952.
Conçue par Laurence Bertrand Dorléac, cette exposition d’auteure propose une vision nouvelle de ce genre longtemps considéré comme mineur et dont l’intitulé français, né tardivement au XVIIe siècle, n’a jamais satisfait personne. L’expression « nature morte » rend mal compte d’un genre très vivant, qui est, au fond, un agencement de choses en un certain ordre assemblées par l’artiste.
© Moderna Museet 1500x1009
La nature morte retrouve enfin les honneurs d’une grande exposition parisienne, 70 ans après la dernière rétrospective à l’Orangerie en 1952.
Conçue par Laurence Bertrand Dorléac, cette exposition d’auteure propose une vision nouvelle de ce genre longtemps considéré comme mineur et dont l’intitulé français, né tardivement au XVIIe siècle, n’a jamais satisfait personne. L’expression « nature morte » rend mal compte d’un genre très vivant, qui est, au fond, un agencement de choses en un certain ordre assemblées par l’artiste.
08 juillet - 12 juillet 2022
VASARELY / LEGACY
Curator : Djeff
Artists : Ghizlane Agzenaï, Verena Bachl, Damien Bénéteau, Aleksandar Bezinovic, Caroline Derveaux, Djeff, Em Emem, Malika Favre, Sebastiaan Knot, Zach Lieberman, Nonotak, Paco Rabanne par Julien Dossena, Sonson Tingaud, Alex Trochut, Victor Vasarely, Valentin van der Meulen, Camille Walala
Pays / Country : France
Lieu / Location : Annet-sur-Marne
Adresse / Address : 3B rue du Général de Gaulle, 77410 Annet-sur-Marne
Horaires / Opening Time : Samedi 09 et Dimanche 10 Juillet 2022 de 10h30 à 17h30 / Saturday 9th and Sunday 10th July 2022,10:30am to 5:30pm
Artists : Ghizlane Agzenaï, Verena Bachl, Damien Bénéteau, Aleksandar Bezinovic, Caroline Derveaux, Djeff, Em Emem, Malika Favre, Sebastiaan Knot, Zach Lieberman, Nonotak, Paco Rabanne par Julien Dossena, Sonson Tingaud, Alex Trochut, Victor Vasarely, Valentin van der Meulen, Camille Walala
Pays / Country : France
Lieu / Location : Annet-sur-Marne
Adresse / Address : 3B rue du Général de Gaulle, 77410 Annet-sur-Marne
Horaires / Opening Time : Samedi 09 et Dimanche 10 Juillet 2022 de 10h30 à 17h30 / Saturday 9th and Sunday 10th July 2022,10:30am to 5:30pm
12 septembre - 13 novembre 2025
VÉNUS NOIRE - PROLONGATION
FR/
Prolongation de l’exposition collective VÉNUS NOIRE, en hommage à Joséphine Baker. Initialement présentée à la galerie, qui sera reprise en partenariat avec une institution culturelle publique.
Le Hall de la Chanson – Parc de la Villette
26 septembre – 13 novembre 2025
Vernissage le vendredi 26 septembre à 18h, suivi du spectacle « La Revue Arc-en-ciel » à 20h
Prolongation de l’exposition collective VÉNUS NOIRE, en hommage à Joséphine Baker. Initialement présentée à la galerie, qui sera reprise en partenariat avec une institution culturelle publique.
Le Hall de la Chanson – Parc de la Villette
26 septembre – 13 novembre 2025
Vernissage le vendredi 26 septembre à 18h, suivi du spectacle « La Revue Arc-en-ciel » à 20h
EN/
Extension of the group exhibition VÉNUS NOIRE, a tribute to Joséphine Baker. Originally presented at the gallery, the exhibition will be restaged in partnership with a public cultural institution.
Le Hall de la Chanson – Parc de la Villette
September 26 – November 13, 2025
Opening on Friday, September 26 at 6 PM, followed by the performance La Revue Arc-en-ciel at 8 PM
September 26 – November 13, 2025
Opening on Friday, September 26 at 6 PM, followed by the performance La Revue Arc-en-ciel at 8 PM
22 juin - 28 septembre 2025
POP MODELS
FR/
Publicités, bandes dessinées, couleurs vives – et femmes : tels sont les éléments emblématiques du Pop Art des années 1960 et du début des années 1970. Le rôle des femmes dans ce mouvement était double, voire ambigu : elles incarnaient à la fois un idéal stéréotypé et désirable, tout en devenant les symboles d’une forme de libération. Les femmes étaient à la fois des supermodels et des figures inspirantes. Avec POP MODELS, le musée MORE devient le premier musée à placer les femmes dans le Pop Art au cœur de son propos – en tant que muses, mais aussi en tant que créatrices. L’exposition met l’accent sur l’Europe, où le mouvement s’est souvent exprimé de manière plus directe et engagée socialement que dans sa version américaine. Cette exposition majeure présente une vaste sélection de peintures, collages et objets d’artistes reconnus tels que Peter Klasen, Erró, Mimmo Rotella et Jacques Monory, mais aussi des découvertes enthousiasmantes comme Ketty La Rocca et Jana Želibská.
EN/
Advertisements, comic strips, bold colours – and women: these are the defining elements of Pop Art in the 1960s and early 1970s. The role of women in this movement was twofold, even ambiguous: they embodied both a stereotypical and desirable ideal, while also becoming symbols of a form of liberation. Women were at once supermodels and inspiring figures. With POP MODELS, Museum MORE becomes the first museum to place women in Pop Art at the very heart of its focus – as both muses and creators. The exhibition highlights the European scene, where the movement was often expressed more directly and with greater social engagement than its American counterpart. This major exhibition presents a wide selection of paintings, collages, and objects by renowned artists such as Peter Klasen, Erró, Mimmo Rotella, and Jacques Monory, alongside exciting discoveries like Ketty La Rocca and Jana Želibská.
Publicités, bandes dessinées, couleurs vives – et femmes : tels sont les éléments emblématiques du Pop Art des années 1960 et du début des années 1970. Le rôle des femmes dans ce mouvement était double, voire ambigu : elles incarnaient à la fois un idéal stéréotypé et désirable, tout en devenant les symboles d’une forme de libération. Les femmes étaient à la fois des supermodels et des figures inspirantes. Avec POP MODELS, le musée MORE devient le premier musée à placer les femmes dans le Pop Art au cœur de son propos – en tant que muses, mais aussi en tant que créatrices. L’exposition met l’accent sur l’Europe, où le mouvement s’est souvent exprimé de manière plus directe et engagée socialement que dans sa version américaine. Cette exposition majeure présente une vaste sélection de peintures, collages et objets d’artistes reconnus tels que Peter Klasen, Erró, Mimmo Rotella et Jacques Monory, mais aussi des découvertes enthousiasmantes comme Ketty La Rocca et Jana Želibská.
EN/
Advertisements, comic strips, bold colours – and women: these are the defining elements of Pop Art in the 1960s and early 1970s. The role of women in this movement was twofold, even ambiguous: they embodied both a stereotypical and desirable ideal, while also becoming symbols of a form of liberation. Women were at once supermodels and inspiring figures. With POP MODELS, Museum MORE becomes the first museum to place women in Pop Art at the very heart of its focus – as both muses and creators. The exhibition highlights the European scene, where the movement was often expressed more directly and with greater social engagement than its American counterpart. This major exhibition presents a wide selection of paintings, collages, and objects by renowned artists such as Peter Klasen, Erró, Mimmo Rotella, and Jacques Monory, alongside exciting discoveries like Ketty La Rocca and Jana Želibská.
26 mars - 21 juillet 2025
S'HABILLER EN ARTISTE
FR/
L’artiste Vava Dudu participe à l’exposition S’habiller en artiste, présentée actuellement au Louvre-Lens. Pour la première fois, le musée explore le lien entre art et mode, à travers plus de 200 œuvres allant de la Renaissance à nos jours.
L’artiste Vava Dudu participe à l’exposition S’habiller en artiste, présentée actuellement au Louvre-Lens. Pour la première fois, le musée explore le lien entre art et mode, à travers plus de 200 œuvres allant de la Renaissance à nos jours.
Des figures emblématiques comme Rembrandt, Rosa Bonheur, Niki de Saint Phalle ou Andy Warhol y côtoient des créations de haute couture, des vêtements d’artistes, mais aussi des pièces contemporaines, soulignant comment le vêtement devient à la fois outil d’expression, signature visuelle, et œuvre d’art à part entière.
Une exposition ambitieuse, portée par Annabelle Ténèze et Olivier Gabet, qui célèbre le vêtement comme un langage artistique et rend hommage à la créativité d’artistes d’hier et d’aujourd’hui.
EN/
Artist Vava Dudu is taking part in the exhibition Dressing Like an Artist, currently on view at the Louvre-Lens. For the first time, the museum explores the connection between art and fashion through more than 200 works, spanning from the Renaissance to the present day.
EN/
Artist Vava Dudu is taking part in the exhibition Dressing Like an Artist, currently on view at the Louvre-Lens. For the first time, the museum explores the connection between art and fashion through more than 200 works, spanning from the Renaissance to the present day.
Iconic figures such as Rembrandt, Rosa Bonheur, Niki de Saint Phalle, and Andy Warhol are shown alongside haute couture pieces, artists' garments, and contemporary creations—highlighting how clothing can serve as a tool of expression, a visual signature, and a work of art in itself.
Curated by Annabelle Ténèze and Olivier Gabet, this ambitious exhibition celebrates clothing as an artistic language and pays tribute to the creativity of artists past and present.
03 avril - 06 avril 2025
ART PARIS 25 - B15
FR/
La Galerie Strouk est ravie de présenter un projet ambitieux à Art Paris 2025, intitulé «VENUS NOIRE - Hommage à Joséphine Baker», sous le commissariat de Martin Kiefer. Ce projet, conçu comme une véritable pièce de théâtre en plusieurs actes, sera une exploration libre de la vie et de l’héritage de cette figure légendaire du XXe siècle, dont l’impact dépasse les frontières artistiques, politiques et sociales.
EN/
The Strouk Gallery is pleased to present an ambitious project at Art Paris 2025, titled “BLACK VENUS - A Tribute to Joséphine Baker,” curated by Martin Kiefer. This project, conceived as a true theatrical piece in several acts, will be a free exploration of the life and legacy of this legendary figure of the 20th century, whose impact transcends artistic, political, and social boundaries.
La Galerie Strouk est ravie de présenter un projet ambitieux à Art Paris 2025, intitulé «VENUS NOIRE - Hommage à Joséphine Baker», sous le commissariat de Martin Kiefer. Ce projet, conçu comme une véritable pièce de théâtre en plusieurs actes, sera une exploration libre de la vie et de l’héritage de cette figure légendaire du XXe siècle, dont l’impact dépasse les frontières artistiques, politiques et sociales.
EN/
The Strouk Gallery is pleased to present an ambitious project at Art Paris 2025, titled “BLACK VENUS - A Tribute to Joséphine Baker,” curated by Martin Kiefer. This project, conceived as a true theatrical piece in several acts, will be a free exploration of the life and legacy of this legendary figure of the 20th century, whose impact transcends artistic, political, and social boundaries.
21 juin - 08 décembre 2024
EXPOSITION ERRÓ – L’HISTOIRE DE L’ART REVISITÉE - MUSÉE D'ANGOULÊME
FR/
L’histoire de l’art constitue pour Erró un trésor inépuisable de représentations toujours d’actualité. Innombrables et variées sont les œuvres célèbres ou peu connues détournées par l’artiste islandais, installé à Paris depuis 1958. Déjà à Florence, où il installe son premier atelier, il incorpore dans ses peintures des motifs empruntés à d’illustres prédécesseurs, anciens ou contemporains.
Plus tard, dans ses collages et tableaux-collages, il se plaît à entremêler les citations artistiques ou à les confronter à des images de la culture populaire. Conventions historiques et hiérarchies culturelles sont écartées au profit d’une approche de l’art subjective, joyeuse et insolente. Ici, Erró introduit des personnages de Disney dans des toiles de Picasso ou du Greco ; il met en relation des astronautes américains avec des nus d’Ingres ou de Goya..
Dans une série intitulée « Histoire de l’art », il rend hommage aux grands maîtres de la modernité (Léger, Matisse, Picasso, Otto Dix…) avec de larges œuvres accumulatives élaborées à partir de dizaines de citations visuelles propres à chaque artiste. L’exposition, grâce aux prêts du Musée d’art de la ville de Reykjavik, se propose de rendre compte de la diversité des images artistiques appropriées par Erró et de la variété des montages et contextes thématiques dans lesquels elles s’inscrivent.
EN/
For Erró, art history is an inexhaustible treasure trove of ever-relevant representations. The Icelandic artist, who has lived in Paris since 1958, has turned many famous and little-known works into his own.
Already in Florence, where he set up his first studio, he incorporated motifs borrowed from illustrious predecessors, both ancient and contemporary, into his paintings. Later, in his collages and collage-paintings, he enjoyed interweaving artistic quotations or confronting them with images from popular culture. Historical conventions and cultural hierarchies are discarded in favor of a subjective, joyful and insolent approach to art. Here, Erró introduces Disney characters into paintings by Picasso or El Greco; he pairs American astronauts with nudes by Ingres or Goya... In a series entitled "Histoire de l'art", he pays tribute to the great masters of modernism (Léger, Matisse, Picasso, Otto Dix...) with large-scale accumulative works based on dozens of visual quotations from each artist. Thanks to loans from the Reykjavik City Museum of Art, the exhibition illustrates the diversity of artistic images appropriated by Erró, and the variety of montages and thematic contexts in which they are used.
L’histoire de l’art constitue pour Erró un trésor inépuisable de représentations toujours d’actualité. Innombrables et variées sont les œuvres célèbres ou peu connues détournées par l’artiste islandais, installé à Paris depuis 1958. Déjà à Florence, où il installe son premier atelier, il incorpore dans ses peintures des motifs empruntés à d’illustres prédécesseurs, anciens ou contemporains.
Plus tard, dans ses collages et tableaux-collages, il se plaît à entremêler les citations artistiques ou à les confronter à des images de la culture populaire. Conventions historiques et hiérarchies culturelles sont écartées au profit d’une approche de l’art subjective, joyeuse et insolente. Ici, Erró introduit des personnages de Disney dans des toiles de Picasso ou du Greco ; il met en relation des astronautes américains avec des nus d’Ingres ou de Goya..
Dans une série intitulée « Histoire de l’art », il rend hommage aux grands maîtres de la modernité (Léger, Matisse, Picasso, Otto Dix…) avec de larges œuvres accumulatives élaborées à partir de dizaines de citations visuelles propres à chaque artiste. L’exposition, grâce aux prêts du Musée d’art de la ville de Reykjavik, se propose de rendre compte de la diversité des images artistiques appropriées par Erró et de la variété des montages et contextes thématiques dans lesquels elles s’inscrivent.
EN/
For Erró, art history is an inexhaustible treasure trove of ever-relevant representations. The Icelandic artist, who has lived in Paris since 1958, has turned many famous and little-known works into his own.
Already in Florence, where he set up his first studio, he incorporated motifs borrowed from illustrious predecessors, both ancient and contemporary, into his paintings. Later, in his collages and collage-paintings, he enjoyed interweaving artistic quotations or confronting them with images from popular culture. Historical conventions and cultural hierarchies are discarded in favor of a subjective, joyful and insolent approach to art. Here, Erró introduces Disney characters into paintings by Picasso or El Greco; he pairs American astronauts with nudes by Ingres or Goya... In a series entitled "Histoire de l'art", he pays tribute to the great masters of modernism (Léger, Matisse, Picasso, Otto Dix...) with large-scale accumulative works based on dozens of visual quotations from each artist. Thanks to loans from the Reykjavik City Museum of Art, the exhibition illustrates the diversity of artistic images appropriated by Erró, and the variety of montages and thematic contexts in which they are used.
17 juillet - 22 septembre 2024
EXPOSITION VALERIO ADAMI: PAINTER OF IDEAS - PALAZZO REALE MILAN
FR/
Du 17 juillet au 22 septembre 2024, le Palazzo Reale de Milan présente une anthologie qui célèbre les soixante-cinq ans de recherche et de carrière de Valerio Adami, reconnu comme l'un des plus grands artistes italiens de l'après-guerre.
Cette exposition d'envergure présente plus de soixante-dix peintures et une cinquantaine de dessins, datant de 1957 à 2023. Artiste voyageur ayant développé un grand intérêt pour la littérature, la philosophie et la musique, Adami est reconnaissable grâce à la rencontre de signes distinctifs issus du pop art et des références à la peinture traditionnelle et au classicisme. Derrière des images simples se cache un récit plus complexe : les œuvres d'Adami sont riches en métaphores visuelles et incluent des concepts philosophiques, littéraires et mythologiques, représentant l'évolution de la pensée européenne et occidentale.
Sous la direction de Marco Meneguzzo, cette exposition, mise en avant par la Comune di Milano - Cultura, est produite par le Palazzo Reale, en collaboration avec l’Archivio Valerio Adami, et sous le patronage de l’Instituto Italiano di Cultura à Paris.
Du 17 juillet au 22 septembre 2024, le Palazzo Reale de Milan présente une anthologie qui célèbre les soixante-cinq ans de recherche et de carrière de Valerio Adami, reconnu comme l'un des plus grands artistes italiens de l'après-guerre.
Cette exposition d'envergure présente plus de soixante-dix peintures et une cinquantaine de dessins, datant de 1957 à 2023. Artiste voyageur ayant développé un grand intérêt pour la littérature, la philosophie et la musique, Adami est reconnaissable grâce à la rencontre de signes distinctifs issus du pop art et des références à la peinture traditionnelle et au classicisme. Derrière des images simples se cache un récit plus complexe : les œuvres d'Adami sont riches en métaphores visuelles et incluent des concepts philosophiques, littéraires et mythologiques, représentant l'évolution de la pensée européenne et occidentale.
Sous la direction de Marco Meneguzzo, cette exposition, mise en avant par la Comune di Milano - Cultura, est produite par le Palazzo Reale, en collaboration avec l’Archivio Valerio Adami, et sous le patronage de l’Instituto Italiano di Cultura à Paris.
EN/
From July 17 to September 22, 2024, the Palazzo Reale in Milan presents an anthology celebrating sixty-five years of research and career of Valerio Adami, recognized as one of the greatest Italian artists of the post-war period.
This extensive exhibition features over seventy paintings and around fifty drawings, dating from 1957 to 2023. A traveling artist with a deep interest in literature, philosophy, and music, Adami is recognizable through the combination of distinctive signs from pop art and references to traditional painting and classicism. Behind simple images lies a more complex narrative: Adami's works are rich in visual metaphors and include philosophical, literary, and mythological concepts, representing the evolution of European and Western thought.
Under the direction of Marco Meneguzzo, this exhibition, highlighted by the Comune di Milano - Cultura, is produced by the Palazzo Reale in collaboration with the Archivio Valerio Adami, and under the patronage of the Instituto Italiano di Cultura in Paris.
04 avril - 07 avril 2024
ART PARIS 2024
La galerie Strouk est heureuse de proposer pour la prochaine édition de Art Paris 2024, une exposition thématique avec le concours de plusieurs artistes issus de différentes générations : AILLEURS – Un voyage dans l’espace
Cette exposition de groupe, dont le titre est inspiré de la série à succès éponyme, est une incursion dans l’imaginaire des artistes quant à la question de l’exploration spatiale. Le 21 juillet 1969, la mission Apollo 11 marque l’humanité : 530 millions de téléspectateurs assistent aux premiers pas de l’Homme sur la Lune. Il s’agit du point le plus éloigné de la Terre jamais foulé par un humain. Robert Combas (né en 1957) ou Keith Haring (1958-1990) sont marqués durablement par cette sensation de découverte d’un nouveau monde, bien plus vaste que celui de la planète Terre. Ils transposent ainsi dans leurs oeuvres tout l’imaginaire qui en découle : les extraterrestres, la découverte d’autres planètes et la construction d’une extension dans l’espace. En effet, l’essor de la science-fiction est concomitant : Dune de Frank Herbert parait en 1965 ; la série Star Trek est diffusée à partir de 1966 ; 2001 : l’Odyssée de l’Espace de Stanley Kubrick sort en salles en 1968. Erró (né en 1932) préfère intégrer ses super-héros dans l’univers en s’inspirant de notre planète exempte de ses failles. L’artiste Invader (né en 1969) se rapproche de la colonisation de l’espace - projet utopiste inspiré de la fiction – avec son « Invasion » de la Terre depuis 1998 via ses mosaïques. En 2012, l’artiste envoie la mosaïque Space 1 dans la stratosphère grâce à un aéronef et, le 12 mars 2015, son oeuvre Space 2 trouve une place pérenne à bord de la Station Spatiale Internationale. Comment parler de l’espace sans aborder ses caractéristiques ? Philippe Hiquily (1925 – 2013) retranscrit l’idée de pesanteur et de propulsion dans l’air avec ses sculptures enchanteresses. Le jeu de bascule qui accompagne la Cosmonaute Claudinette (1984) est une véritable prouesse. Vincent Beaurin (né en 1960) et Jean Pierre Raynaud (né en 1939), quant à eux, cherchent à révéler la couleur de l’espace, le bleu de l’atmosphère ; tandis que Valentin van der Meulen (né en 1979), à travers le fusain et la pierre noire, nous donne à voir la poussière de la Lune. En effet, les dernières décennies marquent un tournant : les touristes y font des voyages (2001), les entreprises privées l’explorent (SpaceX y a fait son premier vol habité en 2020), la première galerie d’art devrait s’implanter sur la Lune à l’horizon 2025… La conquête spatiale oscille alors entre fascination et divertissement et rappelle qu’elle a inspiré la culture dans son entièreté, de la bande dessinée (Hergé, Les aventures de Tintin, volume 16, « Objectif Lune », 1953) à la mode (Chanel, collection automne-hiver 2017-2018 au Grand Palais).
03 septembre - 12 novembre 2023
LE RÊVE A SES RAISONS
FR/
Artiste représenté à la 15e édition de la Biennale d’Issy se tiendra, sur le thème « Le rêve a ses raisons ». Au Musée Français de la Carte à Jouer
EN/
The artist featured at the 15th edition of the Issy Biennale on the theme "Le rêve a ses raisons" (Dreams have their reasons). At the Musée Français de la Carte à Jouer.
Artiste représenté à la 15e édition de la Biennale d’Issy se tiendra, sur le thème « Le rêve a ses raisons ». Au Musée Français de la Carte à Jouer
EN/
The artist featured at the 15th edition of the Issy Biennale on the theme "Le rêve a ses raisons" (Dreams have their reasons). At the Musée Français de la Carte à Jouer.
27 mai - 08 octobre 2023
KEITH HARING: ART IS FOR EVERYBODY
The Broad will present the first-ever museum exhibition in Los Angeles of Keith Haring’sexpansive body of work and will feature over 120 artworks and archival materials. Known for his use of vibrant color, energetic linework and iconic characters like the barking dog and the radiant baby, Haring’s work continues to dissolve barriers between art and life and spread joy, all while being rooted in the creative spirit and mission of his subway drawings and renowned public murals: art is for everybody. Curated by Broad curator and exhibition manager Sarah Loyer, the exhibition will explore both Haring’s artistic practice and life, with much of the source material for the exhibition coming from his personal journals.
Divided into ten galleries in total, the expansive exhibition will feature the breadth of mediums Haring worked within, including video, sculpture, drawing, painting, and graphic works, as well as representations from the artist’s enormous output of public projects, from the subway drawings to his public murals. Works presented span from the late-1970s when he was a student at the School of Visual Arts in New York up until 1988, just two years before the artist died from AIDS-related illness at the age of 31. Haring’s participation in nuclear disarmament and anti-Apartheid movements are featured prominently in the show, as well as works that take on complex issues that remain crucial today from environmentalism, capitalism, and the proliferation of new technologies to religion, sexuality, and race. In the last gallery, significant works from the late 1980s will be accompanied by framed posters illustrating the artist’s activism within the HIV/AIDS crisis.
Major works held in the Broad collection such as Untitled, 1984 and Red Room, 1988 will be on view in addition to key loans from many institutional and private collections, including art, ephemera and documentation provided by the Keith Haring Foundation in New York, established by the artist in 1989. The show will feature immersive elements, such as a gallery lit by blacklight soundtracked by playlists created by the artist himself. Additionally, the Shop at The Broad will be transformed, taking inspiration from Haring’s artistic retail space The Pop Shop, which first opened in 1986 in the SoHo neighborhood of New York. Tickets to the exhibition will be made available in Spring 2023.
Image credit: Keith Haring, Untitled, 1982. Baked enamel on metal. The Broad Art Foundation. © Keith Haring Foundation
News
01 février - 30 avril 2023
RÉSIDENCE SAINT-ANGE
Lauréat 2023, nous avons le plaisir de vous annoncer la prochaine résidence de 3 mois à la Résidence Saint-Ange à Grenoble de Valentin van der Meulen.
« C’est dans sa capacité à conjuguer le projet graphique à l’image choisie que Valentin van der Meulen révèle sa maîtrise du dessin : la même force qui se dégage du dessin se trouve dans le geste et le regard. Souvent les dessins de sculpteurs témoignent de leurs manières de traiter la pierre, le bois, l’on pense ici à Baselitz ou Dodeigne. Un même poids de la main s’imprime dans la matière. Valentin van der Meulen n’est pas sculpteur, pourtant son dessin parvient à conférer à l’image une présence tangible dans l’espace »
Paul Hervé Parsy
Ancien directeur Château D’Oiron et des Collections du Centre Georges Pompidou
Dans le cadre de cette résidence, une exposition aura lieu en fin d'année à l'Ecole des Beaux-Arts de Grenoble, ainsi que la création d'un catalogue.
« C’est dans sa capacité à conjuguer le projet graphique à l’image choisie que Valentin van der Meulen révèle sa maîtrise du dessin : la même force qui se dégage du dessin se trouve dans le geste et le regard. Souvent les dessins de sculpteurs témoignent de leurs manières de traiter la pierre, le bois, l’on pense ici à Baselitz ou Dodeigne. Un même poids de la main s’imprime dans la matière. Valentin van der Meulen n’est pas sculpteur, pourtant son dessin parvient à conférer à l’image une présence tangible dans l’espace »
Paul Hervé Parsy
Ancien directeur Château D’Oiron et des Collections du Centre Georges Pompidou
Dans le cadre de cette résidence, une exposition aura lieu en fin d'année à l'Ecole des Beaux-Arts de Grenoble, ainsi que la création d'un catalogue.
News
24 février - 24 février 2023
1937 - GUERNICA / UKRAINE - 2022
En soutien à l'Ukraine, Jean-Pierre Raynaud fera don de sa version de « Guernica » à S.E. l'ambassadeur Vadym Omelchenko lors d'un cérémonie au Centre Panthéon-Sorbonne
18 juin - 30 septembre 2022
LA NATURE
Château l’Hospitalet
Route de Narbonne-Plage
11100 Narbonne
04 68 45 28 50
Route de Narbonne-Plage
11100 Narbonne
04 68 45 28 50
Vernissage ouvert au public le 18 juin à partir 19h – Performances artistiques de Lionel Martin, Jean Luc Parant et Les Sans Pattes – Robert Combas et Lucas Mancione. Projections sur le château. Créations.
News
08 octobre - 31 décembre 2021
ROBERT COMBAS CHANTE SÈTE ET GEORGES BRASSENS
COFFRETS 10 VINYLES 30 cm 180g
Édition Super Deluxe.
Tirage limité et numéroté à 700 exemplaires.
Pochettes vinyles cartonnées 350g.
Pochettes intérieures imprimées
Tirage limité et numéroté à 700 exemplaires.
Pochettes vinyles cartonnées 350g.
Pochettes intérieures imprimées
Plus de 30 oeuvres de Robert Combas inspirées des chansons et 9 nouveaux portraits exclusifs de Georges Brassens
Livret richement illustré avec de nombreuses photos, gravures et peintures.
Textes de Robert Combas, Michel Onfray, Jean Marie Gavalda et Bernard Marcadé
Livret richement illustré avec de nombreuses photos, gravures et peintures.
Textes de Robert Combas, Michel Onfray, Jean Marie Gavalda et Bernard Marcadé
26 mars - 03 novembre 2025
LA FABRIQUE DU TEMPS
FR/
Exposition collective au Musée de La Poste – Paris
Exposition collective au Musée de La Poste – Paris
Avec des œuvres de Ben Vautier, Darren Almond, Maarten Baas, Claude Closky, On Kawara, Annette Messager, Roman Opalka, Véronique Joumard, et plus de 30 artistes contemporains.
À travers une centaine de pièces patrimoniales (montres anciennes, photographies, timbres, almanachs...) et une cinquantaine d’œuvres d’art contemporain (vidéos, installations, sculptures…), La fabrique du temps interroge notre rapport au temps et son évolution. Ancrée dans l’histoire de La Poste, institution centrale dans l’unification horaire en France, l’exposition explore comment la mesure, la transmission et la perception du temps ont façonné notre quotidien – entre précision scientifique et résonance poétique.
EN/
Group exhibition at the Musée de La Poste – Paris
EN/
Group exhibition at the Musée de La Poste – Paris
Featuring works by Ben Vautier, Darren Almond, Maarten Baas, Claude Closky, On Kawara, Annette Messager, Roman Opalka, Véronique Joumard, and over 30 contemporary artists.
Bringing together over a hundred historical artifacts (vintage timepieces, photographs, stamps, almanacs...) and fifty contemporary artworks (videos, installations, sculptures…), The Making of Time examines our relationship to time and its shifting interpretations. Rooted in the history of the French postal service—pivotal in synchronizing time nationwide—the exhibition explores how the measurement, transmission, and perception of time continue to shape both our routines and our imaginations.
05 juillet - 17 août 2025
IL Y A LE CIEL, LE SOLEIL ET LE RESTE
FR/
La collaboration artistique initiée en 2024 entre la Ville de La Grande Motte et Robert Combas (réalisation d’affiches pour le 50ème anniversaire de la Ville, fresque lumineuse projetée sur le Palais des Congrès et concert du groupe « Les Sans Pattes » à l’été 2024) se poursuit en 2025 à travers une exposition personnelle de l’artiste, Il y a le ciel, le soleil et le reste, présentée dans l’Espace Michèle Goalard de la Capitainerie du port, du 5 juillet au 17 août 2025. Un catalogue au titre éponyme accompagnera l’exposition.
EN/
The artistic collaboration initiated in 2024 between the City of La Grande Motte and Robert Combas — including the creation of posters for the city’s 50th anniversary, a light mural projected onto the Palais des Congrès, and a summer concert by the band “Les Sans Pattes” — will continue in 2025 with a solo exhibition by the artist. Il y a le ciel, le soleil et le reste will be on view at the Espace Michèle Goalard in the Port’s Capitainerie from July 5 to August 17, 2025. A catalogue of the same name will accompany the exhibition.
La collaboration artistique initiée en 2024 entre la Ville de La Grande Motte et Robert Combas (réalisation d’affiches pour le 50ème anniversaire de la Ville, fresque lumineuse projetée sur le Palais des Congrès et concert du groupe « Les Sans Pattes » à l’été 2024) se poursuit en 2025 à travers une exposition personnelle de l’artiste, Il y a le ciel, le soleil et le reste, présentée dans l’Espace Michèle Goalard de la Capitainerie du port, du 5 juillet au 17 août 2025. Un catalogue au titre éponyme accompagnera l’exposition.
EN/
The artistic collaboration initiated in 2024 between the City of La Grande Motte and Robert Combas — including the creation of posters for the city’s 50th anniversary, a light mural projected onto the Palais des Congrès, and a summer concert by the band “Les Sans Pattes” — will continue in 2025 with a solo exhibition by the artist. Il y a le ciel, le soleil et le reste will be on view at the Espace Michèle Goalard in the Port’s Capitainerie from July 5 to August 17, 2025. A catalogue of the same name will accompany the exhibition.
19 mars - 20 juillet 2025
TOUS LÉGER !
FR/
Avec : Niki de Saint Phalle, Yves Klein, Martial Raysse, Keith Haring, Roy Lichtenstein, César, Arman…
Avec : Niki de Saint Phalle, Yves Klein, Martial Raysse, Keith Haring, Roy Lichtenstein, César, Arman…
Cette exposition réunit près de 100 œuvres autour du dialogue entre Fernand Léger – pionnier de l’avant-garde – et les figures majeures du Nouveau Réalisme et de la scène artistique franco-américaine. En partenariat avec le MAMAC de Nice et les Musées nationaux du XXe siècle des Alpes-Maritimes, Tous Léger ! met en lumière les liens entre art et quotidien, détournement d’objet, corps en mouvement et art dans l’espace public. De l’objet transformé à la fresque urbaine, les artistes fusionnent art et vie, révélant la poésie du monde contemporain dans ses formes les plus simples.
EN/
With works by Niki de Saint Phalle, Yves Klein, Martial Raysse, Keith Haring, Roy Lichtenstein, César, Arman…
EN/
With works by Niki de Saint Phalle, Yves Klein, Martial Raysse, Keith Haring, Roy Lichtenstein, César, Arman…
Bringing together nearly 100 works, this exhibition explores the dialogue between avant-garde pioneer Fernand Léger and leading figures of Nouveau Réalisme and the transatlantic art scene. Organized in partnership with MAMAC Nice and the National Museums of the 20th Century of the Alpes-Maritimes, All About Léger! playfully investigates key themes such as object transformation, representations of the body, leisure, and art in public space. Blurring the boundaries between art and everyday life, these artists elevate the ordinary and reveal the poetic beauty of the world around us.
27 mars - 30 mars 2025
DRAWING NOW 2025
FR/
Nous avons le plaisir de participer à la foire DRAWING NOW 2025, où nous exposerons une sélection de collages de l’artiste ERRÓ. Cette technique de découpage et de collage est au cœur de sa pratique artistique, chaque collage constituant une étape clé avant son passage à la peinture. En assemblant des fragments d’images issus de multiples sources, ERRÓ explore et réinvente les récits visuels de notre époque. Ces œuvres préparatoires permettent de mieux saisir son approche, révélant un univers où chaque image choisie participe à une relecture personnelle des mythologies contemporaines.
EN/
We are pleased to participate in the DRAWING NOW 2025 fair, where we will showcase a selection of collages by the artist ERRÓ. The techniques of cutting and collage are central to his artistic process, with each collage representing a crucial step before he transitions to painting. By assembling fragments of images from diverse sources, ERRÓ explores and reimagines the visual narratives of our time. These preparatory works offer insights into his approach, unveiling a world in which each selected image contributes to a personal reinterpretation of contemporary mythologies.
Nous avons le plaisir de participer à la foire DRAWING NOW 2025, où nous exposerons une sélection de collages de l’artiste ERRÓ. Cette technique de découpage et de collage est au cœur de sa pratique artistique, chaque collage constituant une étape clé avant son passage à la peinture. En assemblant des fragments d’images issus de multiples sources, ERRÓ explore et réinvente les récits visuels de notre époque. Ces œuvres préparatoires permettent de mieux saisir son approche, révélant un univers où chaque image choisie participe à une relecture personnelle des mythologies contemporaines.
EN/
We are pleased to participate in the DRAWING NOW 2025 fair, where we will showcase a selection of collages by the artist ERRÓ. The techniques of cutting and collage are central to his artistic process, with each collage representing a crucial step before he transitions to painting. By assembling fragments of images from diverse sources, ERRÓ explores and reimagines the visual narratives of our time. These preparatory works offer insights into his approach, unveiling a world in which each selected image contributes to a personal reinterpretation of contemporary mythologies.
17 octobre - 20 octobre 2024
ASIA NOW
FR/
La galerie Strouk est heureuse d'annoncer sa participation à la foire Asia Now, où nous aurons le plaisir de représenter l'artiste Vivi Cho. Connue pour son utilisation de pastels gras sur une base acrylique, Vivi Cho crée des œuvres dans lesquelles des personnages soigneusement détaillés se détachent sur des arrière-plans plus sommaires, offrant ainsi une dualité qui interpelle le spectateur. Ses personnages, tels que Byuri, Woojoo, et Sini, ne sont pas de simples figures ; ils portent des significations profondes et expriment des émotions humaines variées, établissant ainsi un lien entre l'art et les expériences universelles. Au cœur de l'œuvre de Vivi Cho se trouvent des symboles qui résonnent avec des philosophies orientales. Ses personnages, souvent dotés de grands yeux, évoquent l'idée que nos yeux sont les fenêtres de notre âme. Cela suggère que nous portons en nous des étoiles et des rêves, incitant à une réflexion sur notre place dans le cosmos. L'artiste intègre également des éléments inspirés du bouddhisme et du taoïsme, tels que le lotus, symbole de pureté et d'éveil spirituel, représentant l'idée que, même dans les difficultés de la vie quotidienne, il est possible de s'élever et d'atteindre une conscience plus claire. Les œuvres de Vivi Cho reflètent aussi des concepts importants du confucianisme, comme la confiance et la justice, représentés par ses personnages. Sini, par exemple, incarne la loyauté et la droiture, des valeurs que l'artiste souhaite mettre en avant dans notre société moderne. À travers ses créations, Vivi Cho nous rappelle l'importance des relations humaines authentiques et de la compréhension mutuelle dans un monde où ces vertus sont parfois mises à l'épreuve. À Asia Now, nous invitons les visiteurs à explorer cet univers symbolique, où chaque œuvre raconte une histoire unique. En mettant en avant les émotions humaines sous toutes leurs nuances, Vivi Cho établit un lien avec le spectateur, l'encourageant à réfléchir à ses propres sentiments et souvenirs d'enfance.
La galerie Strouk est heureuse d'annoncer sa participation à la foire Asia Now, où nous aurons le plaisir de représenter l'artiste Vivi Cho. Connue pour son utilisation de pastels gras sur une base acrylique, Vivi Cho crée des œuvres dans lesquelles des personnages soigneusement détaillés se détachent sur des arrière-plans plus sommaires, offrant ainsi une dualité qui interpelle le spectateur. Ses personnages, tels que Byuri, Woojoo, et Sini, ne sont pas de simples figures ; ils portent des significations profondes et expriment des émotions humaines variées, établissant ainsi un lien entre l'art et les expériences universelles. Au cœur de l'œuvre de Vivi Cho se trouvent des symboles qui résonnent avec des philosophies orientales. Ses personnages, souvent dotés de grands yeux, évoquent l'idée que nos yeux sont les fenêtres de notre âme. Cela suggère que nous portons en nous des étoiles et des rêves, incitant à une réflexion sur notre place dans le cosmos. L'artiste intègre également des éléments inspirés du bouddhisme et du taoïsme, tels que le lotus, symbole de pureté et d'éveil spirituel, représentant l'idée que, même dans les difficultés de la vie quotidienne, il est possible de s'élever et d'atteindre une conscience plus claire. Les œuvres de Vivi Cho reflètent aussi des concepts importants du confucianisme, comme la confiance et la justice, représentés par ses personnages. Sini, par exemple, incarne la loyauté et la droiture, des valeurs que l'artiste souhaite mettre en avant dans notre société moderne. À travers ses créations, Vivi Cho nous rappelle l'importance des relations humaines authentiques et de la compréhension mutuelle dans un monde où ces vertus sont parfois mises à l'épreuve. À Asia Now, nous invitons les visiteurs à explorer cet univers symbolique, où chaque œuvre raconte une histoire unique. En mettant en avant les émotions humaines sous toutes leurs nuances, Vivi Cho établit un lien avec le spectateur, l'encourageant à réfléchir à ses propres sentiments et souvenirs d'enfance.
La galerie Strouk est impatiente de partager l'œuvre de Vivi Cho avec un public international, et nous espérons que cette exposition suscitera des réflexions sur l'identité, la communauté et notre place dans l'univers.
EN/
Strouk gallery is pleased to announce its participation in the Asia Now fair, where we will represent the artist Vivi Cho. Known for her use of oil pastels on an acrylic base, Vivi Cho creates works in which carefully detailed characters stand out against more roughly drawn backgrounds, establishing a duality that engages the viewer. Her characters, such as Byuri, Woojoo, and Sini, carry profound meanings and express a range of human emotions, creating a connection between art and universal experiences. At the heart of Vivi Cho's work are symbols that resonate with Eastern philosophies. Her characters, often depicted with large eyes, suggest that our eyes are the windows to our souls. This implies that we carry stars and dreams within us, inviting reflection on our place in the cosmos. The artist also incorporates elements inspired by Buddhism and Taoism, such as the lotus flower, a symbol of purity and spiritual awakening, representing the idea that even amidst the challenges of daily life, one can rise and achieve greater clarity of consciousness. Vivi Cho's works also reflect important concepts from Confucianism, such as trust and righteousness, embodied by her characters. Sini, for example, represents loyalty and integrity—values that the artist seeks to highlight in our modern society. Through her creations, Vivi Cho reminds us of the importance of authentic human relationships and mutual understanding in a world where these virtues are sometimes tested. At Asia Now, we invite visitors to explore this symbolic universe, where each piece tells a unique story. By emphasizing human emotions in all their nuances, Vivi Cho connects with the viewer, encouraging reflection on their own feelings and childhood memories. Strouk gallery is looking forward to sharing Vivi Cho's work with an international audience, and we hope this exhibition will inspire reflections on identity, community, and our place in the universe.
EN/
Strouk gallery is pleased to announce its participation in the Asia Now fair, where we will represent the artist Vivi Cho. Known for her use of oil pastels on an acrylic base, Vivi Cho creates works in which carefully detailed characters stand out against more roughly drawn backgrounds, establishing a duality that engages the viewer. Her characters, such as Byuri, Woojoo, and Sini, carry profound meanings and express a range of human emotions, creating a connection between art and universal experiences. At the heart of Vivi Cho's work are symbols that resonate with Eastern philosophies. Her characters, often depicted with large eyes, suggest that our eyes are the windows to our souls. This implies that we carry stars and dreams within us, inviting reflection on our place in the cosmos. The artist also incorporates elements inspired by Buddhism and Taoism, such as the lotus flower, a symbol of purity and spiritual awakening, representing the idea that even amidst the challenges of daily life, one can rise and achieve greater clarity of consciousness. Vivi Cho's works also reflect important concepts from Confucianism, such as trust and righteousness, embodied by her characters. Sini, for example, represents loyalty and integrity—values that the artist seeks to highlight in our modern society. Through her creations, Vivi Cho reminds us of the importance of authentic human relationships and mutual understanding in a world where these virtues are sometimes tested. At Asia Now, we invite visitors to explore this symbolic universe, where each piece tells a unique story. By emphasizing human emotions in all their nuances, Vivi Cho connects with the viewer, encouraging reflection on their own feelings and childhood memories. Strouk gallery is looking forward to sharing Vivi Cho's work with an international audience, and we hope this exhibition will inspire reflections on identity, community, and our place in the universe.
02 mars - 19 juin 2024
MO.CO. - ENTRE LES LIGNES, ART ET LITTÉRATURE
FR/
Après une première exposition transversale consacrée à la peinture figurative française, MO.CO. Montpellier Contemporain explore les liens immenses entre art et littérature, entre les artistes des mots et ceux des formes. Les liens entre art et littérature ont été mis en évidence par Daniel Rondeau sous la forme d’un hommage à Eduardo Arroyo. Ce peintre espagnol décédé récemment n’aura eu de cesse dans sa pratique, peintures et sculptures, de rendre hommage aux hommes et femmes de lettres.
EN/
After an initial cross-disciplinary exhibition dedicated to French figurative painting, MO.CO. Montpellier Contemporain explores the vast connections between art and literature, between wordsmiths and visual artists. The links between art and literature have been highlighted by Daniel Rondeau as a tribute to Eduardo Arroyo. This recently deceased Spanish painter continually honored literary figures in his work, through both paintings and sculptures.
Après une première exposition transversale consacrée à la peinture figurative française, MO.CO. Montpellier Contemporain explore les liens immenses entre art et littérature, entre les artistes des mots et ceux des formes. Les liens entre art et littérature ont été mis en évidence par Daniel Rondeau sous la forme d’un hommage à Eduardo Arroyo. Ce peintre espagnol décédé récemment n’aura eu de cesse dans sa pratique, peintures et sculptures, de rendre hommage aux hommes et femmes de lettres.
EN/
After an initial cross-disciplinary exhibition dedicated to French figurative painting, MO.CO. Montpellier Contemporain explores the vast connections between art and literature, between wordsmiths and visual artists. The links between art and literature have been highlighted by Daniel Rondeau as a tribute to Eduardo Arroyo. This recently deceased Spanish painter continually honored literary figures in his work, through both paintings and sculptures.
22 juin - 31 décembre 2023
ERRÓ AU MÉMORIAL DE CAEN
FR/
La Fondation Gandur pour l’art et le Mémorial de Caen montrent une nouvelle exposition commune sur les mouvements de contestation sociaux, politiques et culturels des années 1960 à 1975. L’Islandais Erró y sera exposé dans le cadre du mouvement baptisé Figuration narrative en 1965.
La Fondation Gandur pour l’art et le Mémorial de Caen montrent une nouvelle exposition commune sur les mouvements de contestation sociaux, politiques et culturels des années 1960 à 1975. L’Islandais Erró y sera exposé dans le cadre du mouvement baptisé Figuration narrative en 1965.
EN/
The Fondation Gandur pour l'art and the Mémorial de Caen present a new joint exhibition on the social, political and cultural protest movements of the 1960s to 1975. The Icelandic artist Erró will be exhibited as part of the Figuration Narrative movement of 1965.
News
11 novembre - 11 novembre 2023
11 NOVEMBRE 1918
FR/
L’armistice de 1918, signé le 11 novembre 1918, met fin aux combats
L’armistice de 1918, signé le 11 novembre 1918, met fin aux combats
de la Première Guerre mondiale. L’artiste a peint avec un réalisme saisissant de nombreuses toiles liées à la Grande Guerre. Robert Combas travaille également actuellement sur une nouvelle gravure avec l’atelier DPJ.
EN/
The 1918 Armistice, signed on November 11, 1918, put an end to the fighting in the First World War. The artist has painted numerous canvases linked to the Great War with striking realism. Robert Combas is also currently working on a new engraving with the DPJ studio.
News
22 septembre - 22 septembre 2023
LA COLLECTION SOCIÉTÉ GÉNÉRALE - ACQUISITION
FR/
Nous sommes très heureux de vous annoncer que l’oeuvre « Mirage 2 » de Valentin van der Meulen fait maintenant partie de La Collection Société Générale.
La série « Mirage » dont fait partie cette œuvre est fondée sur un modus operandi : des gouttes d’encre sont déposées par l’artiste sur un dessin au fusain sur papier buvard. Par les altérations et recontextualisations imprévisibles qu’elles imposent au motif initial, elles invitent le hasard dans l’œuvre et proposent une nouvelle réalité, déclinaison de l’imaginaire de chacun.
Selon Grégoire Prangé, « un goutte-à-goutte presque médical sur papier buvard vient s’écraser, et à mesure que la couleur déforme le dessin dans sa fonction apparemment représentative – ici un œil, là un bras, et sans doute une oreille – peut-être l’œuvre s’enrichit-elle d’une nouvelle charge symbolique : à la diction préfère l’évocation, elle devient résolument image. »
ENG/
We are very pleased to announce that Valentin van der Meulen's work "Mirage 2" is now part of the Société Générale’s Art Collection.
The “Mirages” series to which this piece belongs is based on a modus operandi: Valentin van der Meulen leaves ink drops on a charcoal drawing on blotting paper. The alterations and unpredictable recontextualisations they impose on the initial motif invite chance in the work and offer a new reality, a declination of the viewer’s imagination.
According to Grégoire Prangé, “an almost medical drip on blotting paper flows, and as the colour deforms the drawing’s representative function – here an eye, there an arm and possibly an ear – the work might be enriched with a new symbolic weight: to diction, it favours evocation, and becomes truly image.”
Nous sommes très heureux de vous annoncer que l’oeuvre « Mirage 2 » de Valentin van der Meulen fait maintenant partie de La Collection Société Générale.
La série « Mirage » dont fait partie cette œuvre est fondée sur un modus operandi : des gouttes d’encre sont déposées par l’artiste sur un dessin au fusain sur papier buvard. Par les altérations et recontextualisations imprévisibles qu’elles imposent au motif initial, elles invitent le hasard dans l’œuvre et proposent une nouvelle réalité, déclinaison de l’imaginaire de chacun.
Selon Grégoire Prangé, « un goutte-à-goutte presque médical sur papier buvard vient s’écraser, et à mesure que la couleur déforme le dessin dans sa fonction apparemment représentative – ici un œil, là un bras, et sans doute une oreille – peut-être l’œuvre s’enrichit-elle d’une nouvelle charge symbolique : à la diction préfère l’évocation, elle devient résolument image. »
ENG/
We are very pleased to announce that Valentin van der Meulen's work "Mirage 2" is now part of the Société Générale’s Art Collection.
The “Mirages” series to which this piece belongs is based on a modus operandi: Valentin van der Meulen leaves ink drops on a charcoal drawing on blotting paper. The alterations and unpredictable recontextualisations they impose on the initial motif invite chance in the work and offer a new reality, a declination of the viewer’s imagination.
According to Grégoire Prangé, “an almost medical drip on blotting paper flows, and as the colour deforms the drawing’s representative function – here an eye, there an arm and possibly an ear – the work might be enriched with a new symbolic weight: to diction, it favours evocation, and becomes truly image.”
30 mars - 02 avril 2023
ART PARIS 2023 - OUT OF BREXIT - VINCENT BEAURIN, ANTONY DONALDSON & ÉLORA WEILL-ENGERER
Stand C16
La galerie Strouk est heureuse de proposer pour la prochaine édition de Art Paris, 2023, un projet avec Elora Weill-Engerer, Antony Donaldson et Vincent Beaurin, respectivement autrice et artistes. Cette rencontre est le fruit de deux collaborations récentes de la galerie Strouk, l’une avec Antony Donaldson,
La galerie Strouk est heureuse de proposer pour la prochaine édition de Art Paris, 2023, un projet avec Elora Weill-Engerer, Antony Donaldson et Vincent Beaurin, respectivement autrice et artistes. Cette rencontre est le fruit de deux collaborations récentes de la galerie Strouk, l’une avec Antony Donaldson,
depuis 2019 et l’autre avec Vincent Beaurin, depuis 2022. Un texte de l’autrice accompagnera cette rencontre; l’accrochage pourra comporter de courts textes.
« C’est en tant qu’artiste que j’apprécie l’oeuvre de Antony Donaldson, du point de vue des attirances et d’un partage de pratiques au delà des codes et des appellations. Je me suis approché tout près de ses tableaux et de ses dessins comme je le fais très souvent quand
je visite une exposition. J’ai suivi l’interstice qui sépare deux surfaces colorées. J’ai voulu attraper le tableau par le cadre en bois peint de la juste couleur. J’ai été tenté de souffler sur un dessin dont le pigment semble provenir d’une palette de fards à paupières. J’aime la mer et les paysages, l’horizon, les courbes et les coupes franches, l’air et la peau douce.
Loin d’une assimilation et plus qu’une confrontation, j’ai eu envie de former des couples basés sur des principes ou des thèmes communs à nous deux, tels que l’eau, la couleur, le paysage, les pyramides,
le cadre ou ancrage, l’articulation, la répétition (une sorte d’allitération plastique), “La figure au service de l’abstraction”, et pourquoi pas quelques fantasmes d’envol.
Nous avons aussi souhaité inviter Elora Weill-Engerer*, autrice d’un texte édifiant sur la peau, le lait, à officier en temps que maîtresse de cérémonie. »
Vincent Beaurin, juillet 2022
* La Peinture « Sopitive », par Elora Weill-Engerer, commissaire et critique d’art. The Art Newspaper Édition Française,
Janvier 2022, Numéro 37, p.15
17 février - 19 février 2023
INVESTEC CAPE TOWN ART FAIR
Strouk Gallery is pleased to propose for the next edition of Cap Town Art Fair, a solo by artist Vincent Beaurin, with a set of Ocelles, Organisms and Statues.
The marvelous and metaphysical unfold in each of his
works and offer the possibility of an experience outside
commentary, outside norms, outside time.
Vincent Beaurin’s works are accesses to contact the
intimate and offer an alternative between the societal
world and abstraction.
News
25 août - 25 août 2022
OÙ ÇA
Gérard Schlosser nous a quitté le 10 août 2022 à l'âge de 91 ans.
« L’œuvre de Gérard Schlosser, pour qui sait la regarder, est d’une infinie richesse, elle use de dimensions multiples, se sert d’évidences, de clichés comme d’énigmes ou de sous-entendus. Elle est à la fois sociale, politique, existentielle. Elle porte une grande attention aux êtres, à leurs attitudes, à leurs aspirations au bonheur. Elle est silencieuse et attentive aux non-dits. Elle se consacre, sans complaisance, à la beauté des corps, à celle de la nature, cet autre corps vivant. Elle nous englobe dans un univers pluriel grâce à la peinture, la pensée de la peinture qui construit une vision structurée, claire et mobile du réel. »
Extrait du texte de Olivier Kaeppelin dans le Catalogue Raisonné de l’artiste.
© photo Gérard Schachmes.
« L’œuvre de Gérard Schlosser, pour qui sait la regarder, est d’une infinie richesse, elle use de dimensions multiples, se sert d’évidences, de clichés comme d’énigmes ou de sous-entendus. Elle est à la fois sociale, politique, existentielle. Elle porte une grande attention aux êtres, à leurs attitudes, à leurs aspirations au bonheur. Elle est silencieuse et attentive aux non-dits. Elle se consacre, sans complaisance, à la beauté des corps, à celle de la nature, cet autre corps vivant. Elle nous englobe dans un univers pluriel grâce à la peinture, la pensée de la peinture qui construit une vision structurée, claire et mobile du réel. »
Extrait du texte de Olivier Kaeppelin dans le Catalogue Raisonné de l’artiste.
© photo Gérard Schachmes.
01 décembre - 15 mars 2020
CROSSING LINES
La National Gallery of Victoria présente le travail de deux des artistes les plus importants et les plus influents de la fin du XXe siècle dans Keith Haring | Jean-Michel Basquiat : Crossing Lines.
À Melbourne, l'exposition offre un aperçu nouveau et fascinant de leurs langages visuels uniques et révèle, pour la première fois, les nombreuses intersections entre leurs vies, leurs pratiques et leurs idées.
À Melbourne, l'exposition offre un aperçu nouveau et fascinant de leurs langages visuels uniques et révèle, pour la première fois, les nombreuses intersections entre leurs vies, leurs pratiques et leurs idées.
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